Утонченность линий, гармония красок

О мастерстве индийских художников по всему Востоку ходили легенды. Однажды, сообщает средневековый манускрипт, индийский художник отправился в Китай. Остановился он в доме искусного ремесленника. Хозяин решил подшутить над гостем и направил к нему механическую служанку, девушку-робота. Гость не скоро разобрался, в чем дело, а когда обман открылся, решил проучить хозяина. За ночь он изобразил на стене в цвете сцену самоубийства - самого себя повесившимся на веревке. Утром пришел хозяин узнать, как спалось гостю, открыл дверь... и принял картину за реальность. Он бросился за ножом перерезать веревку, и только когда его нож наткнулся на стену, убедился в розыгрыше.

Искусство живописи в Индии принимало разные формы в зависимости от "социального заказа". Богатые буддийские и джайнские монастыри заказывали роскошные настенные росписи. Так возникли шедевры Аджанты, других пещерных храмов. Расцвет индуистского храмового строительства выдвинул на первый план скульптуру, и настенная живопись ушла в тень. Гильдии живописцев потеряли богатых заказчиков и захирели. Тогда изобразительный гений Индии проявился в форме миниатюрной живописи. Уже тысячу лет назад получили распространение иллюстрации в буддийских и джайнских книгах.

Буддизм долго держался в Бенгалии и Ориссе, там получили хождение буддийские трактаты на пальмовых листьях и в деревянных переплетах, художники весьма искусно их разрисовывали. Каноны изображений в основном оставались традиционными, изменились пропорции и обрамление, усложнилась иконография, появился ряд новых символов бытия. Отсюда черпали образы мастера Тибета, Непала и других стран.

Миниатюры в джайнских манускриптах известны с IX века. Уже тогда существовали такие особенности джайнской живописи, как подчеркнутая остроносость и отдельное изображение второго глаза рядом с профилем лица. Сами джайны объясняют столь странный изобразительный прием заботой о том, как бы у зрителя не возникло мысли о том, что божество одноглазое. Сугубо условный прием стал у джайнов каноном, и повисший в пространстве глаз с тех пор обязателен и при изображении людей.

В различных частях Индии живописные традиции продолжали процветать веками после Аджанты. Большие картины рисовались на храмовых занавесах из хлопка. Изображались целые композиции на развертывающихся свитках. В Раджастхане, Бенгалии, других областях всегда был популярен лубок, для которого характерна хорошая прорисовка, яркая цветовая гамма и определенная условность при изображении персонажей. Но новый всемирно значимый взлет - индийская миниатюра - вызван был воздействием "социального заказа" Великих Моголов.

В те времена высочайший авторитет имела персидская книжная миниатюра, отличавшаяся наряду с живописными достоинствами также орнаментальностью и насыщенностью каллиграфией. Поклонник миниатюры Акбар решил затмить персидские образцы. В 1567 г. он создал художественную мастерскую, в которой более ста индийских художников работали под руководством двух персидских мастеров. Перед ними была поставлена грандиозная цель - проиллюстрировать для начала 14 томов "Хамза - намэ". Требовалось создать сотни довольно большеформатных миниатюр. И ведущий персидский живописец Абдус - Самад, и сам Акбар поощряли индийских мастеров искать новые изобразительные решения. Таким образом, с первых же шагов Могольская миниатюра восприняла индийскую художественную традицию, стала применять более яркие цвета, более новаторские композиции.

Акбар повелел своим художникам иллюстрировать также "Махабхарату" и "Рамаяну". Так начала вырабатываться иконография героев индийского эпоса, и вскоре индийские мастера достигли такой индивидуализации образов, которая редко встречалась даже в персидской миниатюре.

Постепенно сложилась Могольская школа миниатюры - одна из основных школ индийской средневековой живописи. Стиль могольской школы сложился хоть и под влиянием миниатюры Ирана и Средней Азии, но на основе местных традиций. Для миниатюр второй половины XVI - начала XVII веков было характерно стремление к точному следованию тексту. Насыщенные действием многофигурные композиции развертывались на условно-декоративном пейзажном фоне. В начале XVII века основным жанром Могольской миниатюры стал портрет. Художники старались не только подчеркнуть индивидуальные черты человека, но даже дать его психологическую характеристику. В середине XVII века получил распространение анималистический жанр; изображения цветов, зверей, птиц отличались достоверностью. Однако в XVIII веке в Могольских миниатюрах утрачивались реалистические черты, изображения становились сухими, безжизненными. И тем не менее традиции Могольской школы были восприняты миниатюристами северных районов Индии и Декана.

Однако следует сказать, что жанр миниатюры развивался и в других индийских княжествах. В результате расцвело несколько оригинальных школ индийской миниатюры, хотя они все в той или иной степени испытывали влияние придворных живописцев Великих Моголов.

Индийские художники использовали для своих картин тонкую бумагу ручной выделки из хлопка, бамбука и джута. Несколько листов этой бумаги склеивали, чтобы образовалось что-то вроде холста, и часто нижние слои представляли собой старые иллюстрации и тексты. Кисточки изготовляли из волосков беличьего хвоста, ими делали наброски. Поверх наброска наносили слой белой краски, производилась грунтовка, после чего набросок уточняли. Бумагу шлифовали круглым камнем, а затем миниатюру раскрашивали.

Произведения индийских художников отличаются богатством красок - от насыщенных чистых до мягкого розовато- лилового и рассеянного голубого. Накладывалось несколько слоев краски. После каждого нанесения краски картину подсушивали, затем полировали, после чего накладывали новый слой той же самой краски. Так делалось несколько раз. Золото и серебро добавляли в конце, причем не обычной кисточкой, а коготком медведя или тигра. Человеческие фигуры выписывали, когда фон был уже завершен. Наконец набросок, который почти исчезал в процессе раскрашивания, восстанавливали черными линиями.

Пахтание Океана. Миниатюра школы Басохли. Около 1730 г.

Живопись Басохли получила развитие в XVII веке, а своего расцвета достигла в конце этого века, в правление Кирпал Пала, известного покровителя искусства и литературы. Миниатюры Басохли хотя и носят следы персидского влияния, отличаются своеобразием, что заставляет предполагать существование местной традиции живописи. Необычным было, например, изображение женского лица. Женщин рисовали с закругленными скошенными лбами, огромными глазами и большими округленными подбородками, с длинными волнистыми косами, в богатых одеждах. На женщинах неизменно навешано множество украшений, почти как на хараппских красавицах. Жемчужные ожерелья изображались с помощью рельефной белой краски. Деревья на картинах весьма стилизованные, условные. Излюбленные цвета в миниатюрах Басох- ли - красный, горчичный и голубой. На первый взгляд живопись Басохли производит впечатление несколько грубоватой, примитивной, однако это не так.

Миниатюра школы Бунди. XVIII в. Символическое изображение круговорота Вселенной: настоящее (корова) вскармливает будущее (теленка)

Миниатюры школы Бунди (XVII - XVIII вв.), раджастханского княжества севернее Удайпура, отличаются тонкой "рифмовкой" образов и их различных проекций. В ранних миниатюрах Бунди еще заметно влияние придворных художников Великих Моголов, но постепенно здесь формируется собственная художественная манера, и в середине XVIII века школа Бунди переживает свой расцвет.

Кришна на священной птице Гаруде в схватке с Индрой. Иллюстрация к Бхагавате Пурана. Около 1780 г.

Для стиля Бунди характерна тщательная прорисовка линий, огромное внимание к орнаментике зданий и ковров, широкое использование в картинах архитектурной символики. Излюбленные деревья - финиковая пальма и пизанг (банан), которые типичны для этой местности. Женщины, как и на миниатюрах Басохли, изображаются со скошенными лбами и подбородками, большими, иногда горбатыми носами, изогнутыми бровями, узкими глазами, тонкими губами и полными щеками. Все они имеют высокие стройные фигуры и маленькую грудь. Художники Бунди любили яркие цвета, удачно и символично используя для земного чистые красные, желтые и зеленые тона и насыщая небо голубизной.

Кришна доит корову, Радха держит теленка. Школа Басохли, около 1750-1755 гг.

Прекрасные миниатюры создавались и в маленьком раджастханском княжестве Кишангархе. Расцвет этой школы живописи приходится на годы правления Савант Сингха, вступившего на престол в 1748 г. и бывшего не только покровителем искусств, но и замечательным поэтом. Под именем Нагаридас он написал целый лирический цикл о жизни Кришны.

Художник Нихал Чанд, отлично владевший всеми техническими приемами миниатюрной живописи, друг и единомышленник Савант Сингха, сумел выразить дух лирики своего повелителя в линии и цвете.

Кришна и Радха в беседке. Школа Кишангарха

В соответствии с идеалом красоты, изложенным в стихах Савант Сингха (Нагаридаса), на кишангархских миниатюрах божественные возлюбленные Радха и Кришна изображены с удлиненными лицами, остроносыми, с несколько скошенными лбами. Глаза неизменно продолговатые и выгнутые вверх, а брови - рельефные дуги. Губы тонкие и чувственные, а подбородок - утонченный и острый. У Радхи - длинные волосы, возле лица локоны, на ней тонкая шаль, вышитая золотом. Кришна - в бледно-голубых одеждах с оранжевым тюрбаном на голове. Благородство персонажей подчеркивается тщательно выписанными на картинах жемчугом и изумрудами.

Кришна играет на флейте в окружении пастушек гопи. Монгольская школа XVII в.

Типичная картина Нихал Чанда - изображение Радхи и Кришны, сидящих в беседке на мраморной террасе в окружении девушек. Вообще Нихал Чанд любил рисовать Радху и Кришну вместе с пастушками среди пышных зеленых садов, или на красных лодках посреди голубого озера, или расположившихся на белых мраморных террасах. На данной картине обращает на себя внимание форма беседки, напоминающая опрокинутый полумесяц. Так художник подчеркнул умиротворенность в подлунном мире, когда в нем царят мир и любовь. Лунный небосвод беседки подпирается четырьмя колоннами, четырьмя вечными устоями мира. Художник тщательно выписал эти колонны и их декор, явно вкладывая сюда традиционную символику и трона, и лотоса, и "мирового древа".

Особенностью миниатюр Кишангарха является тщательное выписывание ландшафта, щедрое использование зеленого цвета, изображение заката с помощью киновари и золота.

Всемирно-знаменитой является живопись школы Кангры - раджпутского княжества, расположенного среди холмов Пенджаба в прекрасной долине Кангра. Толчком к развитию этой школы послужило прибытие в Кангру художников из Дели, бежавших в 1738 г. от погрома Надир-шаха^*. Школа достигла своего расцвета в правление Сансар Чанда (1775-1823), привлекшего к своему двору поэтов, сказителей, искусных ремесленников, певцов и танцовщиц.

^*(В 1738 г. войско Надир-шаха из Персии вторглось в Индию и подвергло Дели, где находился в то время двор Великих Моголов, жестокому разгрому и грабежу.)

Живопись Кангры знаменует собой вершину индуистского искусства, в ней отразились глубокие идеи движения бхакти - любви к всему живущему, радости жизни, красоты человеческих отношений. Большинство миниатюр Кангры создано на сюжеты о прекрасном возлюбленном - Кришне. Его многочисленные изображения в окружении пастушек - гопи и с самой женственной из них Радхой выполнены с высочайшим художественным мастерством и находят отклик в душе каждого. Произведения школы Кангры принадлежат к шедеврам мирового искусства.

Рождение Кришны. Иллюстрация к Бхагавата Пурана. Первая половина XVIII в.

На протяжении столетий Индия хранила высшие духовные заветы предков и одаряла ими окружающие страны. Поэтому понимание искусства Индии - это своего рода ключ к пониманию искусства всего Востока. То, что в Индии возникало в классической форме - будь это колонны и ступы Ашоки, гандхарская живопись, матхурская скульптура, росписи Аджанты, храмовые комплексы, градостроительные решения, миниатюра - вскоре распространялось по многим районам Евразии и развивалось там на местной почве. Если понять несколько вершинных произведений индийского искусства, можно проникнуть в смысл десятков, сотен художественных шедевров во многих других странах Востока.

Традиции классического индийского искусства живы и в современной Индии. Органичным сплавом традиции и новаторства является, например, зародившаяся на рубеже веков живопись Бенгальского Возрождения, во многом определившая дальнейшее развитие художественной культуры Индии.