Тициан

Вершина венецианского искусства эпохи Возрождения - живопись великого Тициана (1485/90-1576).

Художник родился в конце 1480-х годов (точная дата не известна) в местечке Пьяве ди Кадоре, расположенном на границе Венецианской республики. Но настоящей его родиной стала Венеция, где он прожил долгую, счастливую жизнь, очень редко выезжая за пределы города; здесь же он и умер в возрасте около 90 лет. Чтобы чуть-чуть ввести читателя в атмосферу жизни Венеции той поры, хочется привести описание праздника, состоявшегося в доме Тициана, сделанное одним из его друзей:

"Первого августа я был приглашен на праздник в прелестный сад, принадлежащий мессеру Тициану, хорошо известному, превосходному живописцу... Большинство из наиболее известных людей города были там... Солнце пригревало очень сильно, хотя место само по себе было тенистым, так что мы проводили время, пока столы вынесли наружу, в рассмотрении картин, поражавших нас своей жизненностью, которые наполняли весь дом, и наслаждались красотой и очарованием сада, расположенного на противоположном конце Венеции у морского залива. Находясь в нем, можно видеть красивый остров Мурано и другие места. Едва только зашло солнце, как по воде заскользили бесчисленные гондолы, наполненные прекрасными женщинами. Музыка и пенье звучали вокруг нас и аккомпанировали почти до полуночи нашему веселому ужину... Ужин был очень хорош, богатый самыми превосходными винами и всеми удовольствиями, которые могли создать нам время года, гости и самый праздник".

Тициан был знаменит, богат, окружен образованнейшими людьми своего времени. Его живопись уже у современников вызывала восторженные отзывы. О нем говорили: "Он блистает, как солнце между звездами".

Но и этот художник, со всей силой могучего таланта воплотивший идеалы Возрождения, затем трагически и страстно ощутил крушение идей Ренессанса.

Ему было около двадцати лет, когда (в 1508 году) он стал работать вместе с Джорджоне, расписывая фресками немецкое подворье в Венеции (росписи до нашего времени не сохранились; фрески плохо переносят сырой и влажный климат города, и художники этой школы редко работали в технике фрески).

Примерно к тому же времени относится большая эрмитажная картина Тициана "Бегство в Египет", во многом еще близкая по духу Джорджоне.

Коллекция картин Тициана в Эрмитаже велика: в музее хранится восемь полотен художника, относящихся к разным периодам его творчества, по особенно полно представлены произведения зрелого мастера, созданные в 50-х - 70-х годах XVI века. Известно не так много работ молодого Тициана, причем некоторые из них исследователи до сих пор не могут "поделить" между Джорджоне и Тицианом, приписывая их то одному, то другому художнику.

Тициан. Бегство в Египет

"Бегство в Египет" подробно описано крупнейшими биографами Тициана: в XVI веке - Джорджо Вазари, в XVII веке - Карло Ридольфи. Ридольфи писал, что Тициан "исполнил картину маслом с изображением Богоматери с сыном, которая бежит в Египет, сопровождаемая св. Иосифом, ангел ведет осла, а по траве разгуливают многочисленные животные... и здесь же группа деревьев, очень естественная, и вдали - солдат и пастух".

"Бегство в Египет" представляет большой интерес, так как показывает, с чего начал свой творческий путь Тициан. Художник выбрал большой холст удлиненного формата (206 X 336 см), что позволило включить широкую панораму местности, по которой святое семейство направляется в Египет. И хотя главные действующие лица традиционно показаны па первом плане, им уделено меньше внимания, чем пейзажу, охарактеризованному с большой тщательностью и поэтичностью. На его фоне чуть нескладные фигуры кажутся обычными и будничными. Бескрылый ангел с небольшим тюком с вещами, тяжеловато ступая, ведет за повод осла, на котором сидят Мария с Христом. Она привязала к груди ребенка на крестьянский манер и устало склонила к нему голову; за ними поспевает святой Иосиф, держа на плече хворостину. Композиционное расположение фигур - сдвинутая к левому краю картины группа, ритмичное размещение персонажей друг за другом - создает впечатление длительного и утомительного пути. Великолепные одежды Иосифа и Марии мало подходят этим людям: старому человеку и усталой женщине.

Несомненно, наиболее удачная часть картины - пейзаж. Венеция - город, почти лишенный деревьев и травы, ее облик определяют многочисленные каналы и море. Тем сильнее воображение венецианского художника должны были волновать сочные луга, залитые солнцем, раскидистые густые деревья, в тени которых столь спокойна гладь вод, голубая гряда гор, замыкающая горизонт. Безмятежен и прекрасен мир, изображенный художником. В выборе мотивов, включенных в пейзаж, чувствуются уроки Джорджоне. Именно он любил передавать такие пышные кроны деревьев, стада, пасущиеся на полях, светлые дали в глубине. Второстепенные фигуры - солдат и беседующие с ним пастухи - почти повторяют типы Джорджоне. В выборе и сопоставлении цветов также сказывается воздействие этого мастера: ткань, меняющаяся от нежно-розового на свету до темно-вишневого в тени, серебристый блеск металлических лат солдата, темная зелень листвы. Красно-розовое пятно одежды перекликается с красными цветами и одеждой пастуха. Но на этом этапе Тициан в большей степени, чем Джорджоне, исходит из декоративного восприятия цвета.

В обилии деталей продолжают чувствоваться традиции кватроченто. Олени, лисы, коровы, птицы, разнообразные цветы и трапы населяют и оживляют луга и леса.

Молодой художник еще тесно связан с Джорджоне, но в то же время он уже сам крупный мастер; чтобы убедиться в этом, достаточно взглянуть на любую деталь картины.

В 1516 году Тициан стал официальным художником Венецианской республики. Его известность растет, и постепенно заказчиками мастера становятся виднейшие деятели как Италии, так и Европы. Он пишет для них полотна, создает портреты.

Тициану позировали императоры, короли, римские папы, полководцы, гуманисты, самые красивые женщины Италии.

Неизвестно имя дамы, запечатленной Тицианом на портрете, хранящемся в Эрмитаже. Однако эта модель неоднократно привлекала к себе внимание художника. С нее написана "Венера Урбинская" (Флоренция, Уффици), "La bella" [Красавица] (Флоренция, Питти). В той же позе и почти в том же наряде дама представлена на портрете из собрания Художественно-исторического музея в Вене.

В зависимости от того, кого писал Тициан, он менял композицию, цвет, степень детализации. В женских образах мастер не ищет психологической глубины. Его красавицы - бездумны, чувственны, полны сознания своей юной прелести. Поэтому такое внимание художник уделяет деталям, помогающим создать образ красавицы. Мягкая переливчатость бархата, пышность страусовых перьев, матовость жемчуга, тусклое мерцание золота - все это написано с острым ощущением живописных особенностей каждого предмета и прекрасно оттеняет полные гибкие руки и нежное лицо.

Исследование картины в рентгеновских лучах показало, что первоначально голову дамы венчали такие же жемчуга, как и па венском портрете, и лишь затем вместо них появилась высокая шляпа, отделанная перлами и перьями.

Все картины, в которых повторяется образ этой женщины, в том числе и эрмитажный портрет, относятся к 1530-м годам.

Вазари сообщает, что в 1533 году для наследника испанского престола Тициан написал "Данаю" (Мадрид, Прадо). К античной легенде Тициан обращался несколько раз, начиная еще с 30-х годов. Один из вариантов находится в Эрмитаже.

Греческий миф повествует о царе Акрисии, которому оракул предсказал смерть от руки будущего внука. Стремясь обмануть судьбу, царь приказал заточить единственную дочь Данаю в башню, но Зевс, очарованный красавицей, проник к ней в виде золотого дождя и стал ее возлюбленным.

Увлечение античной мифологией характерно для всего творчества Тициана, образы древних легенд давали ему возможность воплотить почти языческую радость полноты бытия.

Еще в юности, после смерти Джорджоне, Тициан дописывал его знаменитую "Спящую Венеру" (Дрезден, Картинная галерея). "Спящая Венера" - первое станковое произведение венецианской живописи, в котором античный сюжет выбран ради возвышенного показа женской наготы. Эта картина оставила глубокий след в творчестве Тициана. Под ее впечатлением он создает ряд полотен на ту же тему, а также варьирует миф о Данае.

В "Данае" художник решает тему любви, счастья и в первую очередь красоты человека. Нагое женское тело показано в картине без средневекового пренебрежения к плоти и без оттенка фривольности, который появится позднее, например, во французском искусстве XVIII века. У Тициана нагота возвышенна и благородна. Даная "так парадно обнажена", что все окружение призвано лишь сильнее подчеркнуть ее обаяние. В ногах Данаи сидит служанка, пытающаяся поймать в передник падающие с неба золотые монеты. Ее фигура контрастна по отношению к Данае; сморщенная старуха с грубой коричневой кожей оттеняет юность героини.

Тициан мало заботится о логике повествования: ложе Данаи находится не в башне, а под открытым небом, на фоне пейзажа. Придерживая полог, Даная поднимает взгляд ввысь, где среди облаков возникают очертания влюбленного бога, который нисходит к ней потоком золота. Любовь трактована как стихийное чувство, как начало, присущее природе, и поэтому человек так тесно и гармонично связан со всем миром.

Во время прежних реставраций красочную поверхность картины несколько смыли, и она выглядит более блеклой, чем это обычно бывает у Тициана; тем не менее мы можем судить о том, как тонко художник продумал цветовые соотношения, чтобы они соответствовали воплощению темы любви и красоты. Золотисто-розовые тона первого плана усиливаются в сочетании с холодными серовато-голубыми тонами второго.

"Даная" датируется серединой 50-х годов XVI столетия. В это же время намечается и перелом в творчестве Тициана, связанный с общим кризисом, охватившим Италию. Правда, Венеция была им затронута меньше, чем другие области страны, и процесс этот протекал здесь медленнее, но в 50-х годах он стал заметно ощутим, так как новое наступление реакции совпало с поражением Венеции в борьбе против турок.

Каждый великий художник сознательно или неосознанно отражает в искусстве время, в котором он живет. Картины Тициана постепенно утрачивают прежнюю гармонию, светлое мироощущение сменяется трагическим. Человек оказывается перед лицом темных сил, неизбежны борьба, а порой и гибель. Другими становятся и живописные приемы. Еще современники обратили внимание на происшедшие изменения, знаменовавшие собой новый этап европейской живописи. В частности, Джорджо Вазари писал: "Техника, которой он придерживается в этих последних вещах, значительно отличается от его юношеской техники, ибо его ранние вещи исполнены с особой тонкостью и невероятным старанием и могут быть рассмотрены вблизи, равно как и издали, последние же написаны мазками, набросаны широкой манерой и пятнами, так что вблизи смотреть на них нельзя и лишь издали они кажутся законченными... Этот способ разумен, красив и поразителен".

Тициан. Даная

К числу бесспорных шедевров Тициана принадлежит "Кающаяся Мария Магдалина". В левой части картины, на скале, над сосудом стоит подпись художника.

Грешница Мария Магдалина, согласно легенде, раскаявшаяся после встречи с Христом, провела много лет в пустыне, где она оплакивала свои прошлые грехи. Она стала героиней ряда произведений Тициана, из которых эрмитажный экземпляр по праву

На эрмитажном полотне Магдалина представлена в момент страстного и бурного раскаяния. В искусстве художника редко можно встретить женский образ такой эмоциональной силы, чаще его героиням красота заменяет чувства. Сохранив излюбленный им тип цветущей пышноволосой венецианки, Тициан наделяет ее, вместо обычной бездумности, сильным и ярким характером. Воспаленные, покрасневшие веки, лицо, припухшее от слез, еще продолжающих катиться по щекам, взгляд, покаянно и страстно устремленный к небу, - все это выражает ее бесконечное и глубоко искреннее горе, переданное, однако, без преувеличенной патетики. Вместо пустыни, куда, согласно легенде, удалилась Магдалина, художник изображает зеленые долины и деревья, но все полно тревоги - вечернее освещение, ветер, клонящий деревья, перебирающий листы книги, облака, плывущие по небу. Природа вбирает в себя беспокойство человека и сливается с ним в бурном, драматическом порыве.

Передавая состояние героини, Тициан остается по-ренессансному величав и сдержан. Картине чужды мистика, религиозный экстаз, суровый аскетизм, она проникнута утверждением красоты и значительности земного мира.

Цвет - одно из основных средств выражения. Темная гамма, насыщенная различными оттенками, то нежно мерцающими, то резко вспыхивающими, словно передает душевный трепет героини. Кисть движется по полотну широко и свободно: легкие мазки, почти прозрачные, сливаются друг с другом в единую поверхность, создавая иллюзию объема тела, упругой груди, полуприкрытой тонкой светлой тканью... Вдруг кисть густым слоем краски делает темпераментный мазок по форме предмета, и вот засиял хрустальный сосуд, вырванный из темноты лучом света. Почти чувственный трепет кисти ощущается при передаче массы длинных мягких волос, золотистые оттенки неуловимо переходят в коричневатые, и возникает пушистая пелена, бережно прикрывающая плечи и грудь.

К 60-м годам XVI века относятся еще два эрмитажных полотна Тициана - "Христос-вседержитель" и "Несение креста". Традиционность в картине "Христос-вседержитель" сказывается в том, что Тициан использует тип, часто встречающийся в средневековых мозаиках: в левой руке Христос держит сферу - символ безграничной власти, правую поднимает для благословения. Новаторство произведения - в его живописном строе. Прекрасно написана хрустальная сфера, лежащая на ладони Христа. Из особенностей этого предмета - его объемности, прозрачности, способности отражать и впитывать свет - извлечены все возможные живописные эффекты. Смелая полоса белил у отворота красной одежды вседержителя создает неожиданное впечатление динамики, оживляет в целом спокойную фигуру.

Тициан. Христос-вседержитель

Фигуру, аналогичную "Христу-вседержителю", обнаружили при помощи рентгеновских лучей на другой эрмитажной картине - "Несение креста". Отказавшись от первоначально задуманной им композиции, Тициан написал на том же полотне ныне существующую. Здесь Христос уже не спокойный и благостный властитель мира, а измученный, истерзанный, но душевно стойкий человек, мужественно переносящий физические страдания.

Тициан. Несение креста

Два лица - Христа, несущего крест, и Иосифа Аримафейского, пытающегося ему помочь, - сильно приближены к зрителю. В такой нарочитой фрагментарности таятся ростки будущего. Подобные композиционные приемы охотно станут использовать художники на следующем этапе развития искусства.

Цвет и здесь - главное средство, помогающее Тициану выделить героя. Бледное лицо Христа и его тонкая рука отчетливо выступают на фоне креста в обрамлении оливково-дымчатой одежды. Тень, лежащая на лице Иосифа, и мягкие пряди седых волос и бороды словно лишают фигуру материальности, и она расплывается в сумраке, сливаясь с крестом.

В 70-е годы XVI века на девятом десятке жизни Тициан создает одно из лучших произведений - "Святого Себастьяна". Если легенда о Марии Магдалине трактовалась как событие драматическое, то история Себастьяна превращается в трагедию. Себастьян был одним из особо почитаемых в Италии святых, поскольку считали, что он помогает людям избавляться от чумы. Его образ часто встречался в алтарных картинах, появлялся он и в ранних произведениях Тициана в виде красивого полуобнаженного юноши. Но за всю историю живописи Возрождения не было создано столь трагического в своем одиночестве образа, как "Святой Себастьян".

Герой изображен в момент гибели, смертоносные стрелы пронзают его красивое, еще полное живого трепета тело атлета; страдальческий взгляд устремлен в небо. В самый последний момент жизни человек остается прекрасным и несломленным. Недаром Тициан придал фигуре Себастьяна особую значительность и монументальность. Безукоризненностью сложения герой напоминает античные статуи. Тициан до конца пути своего сохранил в искусстве веру в высокое предназначение и достоинство человека. Он как бы говорит: человека можно физически уничтожить, но вечно будет жить неукротимость его духа и разума. Как несокрушимая колонна стоит гибнущий Себастьян, и, кажется, весь мир охвачен трагедией его безвременной кончины: темное тревожное небо сливается с землей, вдали - мерцающие красные отблески Отдельные формы неразличимы, все слилось в великолепный поток мазков; у ног струится дым костра, и его отсветы, так же как зарево пожара, играют на теле юноши тысячью неуловимых оттенков. В картине нет деления на фон и фигуру первого плана в традиционном смысле искусства предшествующей поры, но есть единая световоздушная среда, в ней все взаимосвязано и неразделимо.

Живописный строй "Святого Себастьяна" вызывает в памяти слова Вазари об особенностях поздней манеры Тициана. Действительно, если картину рассматривать близко, то покажется, что вся поверхность ее покрыта массой беспорядочных мазков, и лишь на расстоянии становится понятной закономерность в кажущейся хаотичности. Композиция произведения осуществлялась без каких бы то ни было подготовительных эскизов. Полотно состоит из нескольких кусков; один был прибавлен художником, когда, изменив первоначальный замысел, он решил изобразить фигуру не до пояса а во весь рост и, надставив холст, дописал ноги.

Не все современники понимали живописное новаторство поздних работ Тициана, как это понимал Вазари. Многим казалось что талант художника с годами ослабевал, а свободу владения кистью они относили за счет незавершенности картины. Даже в XIX веке "Святого Себастьяна" продолжали считать незаконченным произведением и держали в запасах музея. И лишь в 90-х годах прошлого столетия шедевр мастера был включен в постоянную экспозицию Эрмитажа.

"Святой Себастьян" - великое достижение Тициана. Произведение написано с полной творческой свободой, оно открывает новые пути в будущее и смелостью живописи, и единством, достигнутым в изображении человека и окружающей среды. Мир предстает перед старым художником скорее в живописном, чем в пластическом обличий.

Тициан умер от чумы в 1576 году. Он всегда оставался верен идеалам Ренессанса, но создание многих его произведений совпало с крушением этих идеалов.