Мастера современной гжели

Современный гжельский промысел занимает особое место среди многочисленных центров традиционного народного гончарства. Наряду с бытовыми изделиями из простых гончарных глин здесь создают фарфоровую посуду с подглазурной росписью кобальтом. Несмотря на то что основные производственные процессы на промысле механизированы, мастера обращаются к традиционной ручной лепке в работе над отдельными деталями изделий. Роспись же на сосудах по-прежнему исполняется только от руки, что позволяет создавать множество вариантов одного и того же декоративного мотива. Все это придает гжельскому фарфору ярко выраженный народный характер, отличает его от изделий промышленных предприятий.

Современная посуда Гжели не похожа на ту, которую делали в подмосковном районе в прошлые столетия. Творчески переработав традиционное наследие, мастера создали особое художественное направление в народной керамике, своеобразный стиль советской Гжели.

Сложился он не сразу. В конце XIX века одно за другим исчезали мелкие фарфоровые и фаянсовые производства Гжели, вытесненные крупными капиталистическими предприятиями. Разруха и запустение были здесь после гражданской войны, и, казалось, наладить работу промысла невозможно. Но в 1929 году в деревне Турыгино возникла первая артель с боевым названием "Вперед, керамика". Вскоре к ней присоединились артели соседних деревень. К 1937 году в подмосковном гончарном районе, называемом по традиции Гжелью, сформировалось объединение "Художественная керамика".

Противоречиво по своему характеру творчество гжельских мастеров в ту пору. Они подражали фабричным образцам прошлого и создавали простейшие по формам изделия. Роспись носила случайный характер: на голубом или зеленом фоне писали виноград или розы в виде "картошки". Нередко узоры срисовывали с открыток.

Возрождение традиционных приемов в создании форм посудных изделий, восстановление гжельского письма началось в 1945 году, сразу после окончания Великой Отечественной войны. Мастера называют это время в развитии промысла периодом "освоения старой Гжели" и связывают его с именами замечательной художницы Н. И. Бессарабовой и крупного ученого, знатока керамики А. Б. Салтыкова. Из всего многообразия декоративных приемов, выработанных предшествующими поколениями, для украшения современного гжельского фарфора выбрали технику подглазурной росписи кобальтом, как наиболее простую в исполнении. Н. И. Бессарабова не только сама постигла секреты гжельской росписи, но и научила мастеров забытым приемам. Она показала, как выводить "сплошной мазок" и "мазок с тенями", когда краску набирают не на всю кисть, а лишь на одну сторону ее так, что при повороте кисти, плоско положенной на поверхность изделия, получается широкий мазок с тональными переходами цвета от темного синего до светлого голубого, почти белого.

Я. И. Бессарабова. Горшочек. Кувшин. 1957

Сама Н. И. Бессарабова (р. 1895) создала изделия, положившие начало современному гжельскому фарфору, его особенному стилю. Формы ее кувшинов, кружек, молочников, ваз округлы и вместительны. Чайники, тулово которых сделано в виде толстого диска и поставлено ребром на четыре ножки-лапы, напоминают гжельские кумганы. В росписи преобладают растительные мотивы, используются разнообразные традиционные живописные приемы.

Рядом с изделиями художницы появляются работы ее учениц. Сначала украшали самую простую по форме повседневную посуду. В хороводе обиходных вещей лишь роспись делала ее своеобразной и приметной. Узор то сплошь заполнял белый фон, то гибкой линией оплетал изделие, подчеркивая его объем. Цвет кобальта от интенсивно-синего до светло-голубого словно насквозь пропитывал черепок, еще ярче выделяя его белизну.

В коллекции Русского музея есть кружки, расписанные ученицами Н. И. Бессарабовой. По верхнему краю одной из них проходит кайма, заполненная изображением сцены сельского труда. Люди с граблями собирают скошенную траву в стога. Кое-где видны цветы. Над ними порхают бабочки и стрекозы. Стройные деревья раскинули свою пышную листву. В росписи все подчинено строгому ритмичному повтору отдельных изображений. Легкие и стремительные, порой очень мелкие мазки как бы создают голубое мерцание. Несколько дробная манера письма вполне отвечает небольшому размеру вещи. Используя традиционные приемы подглазурной росписи, мастер Т. С. Еремина создает жизнерадостный поэтический образ сельской страды, что ставит эту кружку в ряд лучших произведений Гжели.

Г. С. Дунашова, Т. С. Еремина. Кружки. 1949

Постепенно от росписи на простых по форме изделиях художницы переходят к украшению вещей более сложных. Кувшины, сливочники, вазы, то крутобокие с широкой горловиной, то вытянутые вверх с узким горлом, требовали иного расположения узора, иной манеры письма.

Широкими мазками выполняет Т. С. Еремина роспись, опоясывая округлое тулово вазы сочными синими цветами и травами, среди которых помещает крупное изображение горделивого петуха. Уже эти первые работы говорят о том, что одна из учениц Н. И. Бессарабовой не только овладела приемами росписи, но и может создать свою декоративную композицию, связав ее с формой изделия.

К периоду "освоения старой Гжели" относятся попытки мастеров включить в роспись надписи. Чаще всего это юбилейные даты значительных событий в жизни нашей страны. В декор праздничной вазы легко и свободно входит надпись "XXX лет СССР". В ажурном плетении цветов - юбилейная дата "30 лет ВЛКСМ". Орнаментально-декоративная вязь "1948 СССР" как бы прорастает стеблями и листьями. Нередко узор на юбилейных изделиях имеет золотую обводку по краю, что придает им особую нарядность.

Рассмотренные работы входят в число тех, которые составили основу собрания современного народного фарфора в Русском музее. Они характеризуют начальный период развития гжельского стиля росписи, формирующегося на основе возрождения и переработки традиционных приемов и мотивов.

Давно не работает на промысле Н. И. Бессарабова, а созданные ею формы изделий до сих пор не сняты с производства. Мастера Гжели любят их расписывать. Но, пожалуй, удачнее всего это получается у лучшей ученицы Натальи Ивановны - Т. С. Дунашовой (р. 1921). Она привыкла доверять своей руке и работает уверенно, быстро нанося узор на выпуклую поверхность изделия без предварительного рисунка. Больше всего Т. С. Дунашова любит писать цветы. Ее называют мастером "цветочной росписи", и, пожалуй, в этом ей не сыскать равных. Художница никогда не повторяет свои цветочные композиции, а творит в процессе работы, бесконечно варьируя изображения. Под ее кистью на поверхности сосудов словно расцветают пышные розы, стройные лилии, бесхитростные полевые васильки, колокольчики. В росписи вазы, форму которой создала Н. И. Бессарабова, ряд крупных изображений цветов охватывает наиболее выпуклую часть тулова. На подставке и горловине орнамент носит геометрический характер и заканчивается синей полосой отводки по краю.

Посуда для повседневного употребления подсказывает иное расположение росписи. Чайник и кувшин имеют ручку и носик, что определяет их лицевую, боковые и заднюю стенки. В соответствии с этим художница располагает основной декоративный мотив на лицевой части сосуда или на его боковых стенках. Так, на боковых стенках округлого приземистого кувшина условно трактованные цветы оживляются сетчатой серединкой. От них композиция как бы разрастается вширь тонкими ветвями с мелкими листьями и бутонами. Каплевидные мазки, напоминающие своей формой листья, располагаются вдоль ручки, а по краю широкого слива, горловины и подставки идет синяя полоса отводки. Роспись гармонично сливается с формой кувшина.

Иногда узор заполняет поверхность изделия полностью, словно художница стремится избежать светлых пятен фона. Роспись на кружке подобна ажурному кружеву из тонких стеблей, нежно-голубых цветов и вьющихся усиков. Ритмичные повторы основных элементов композиции придают ей строгость и завершенность.

Как правило, Т. С. Дунашова только расписывала изделия. Но желание сделать все самой от начала до конца, выполнить форму сосуда и украсить ее, было у художницы всегда. В 1972 году она сделала такую вещь. Это - сахарница. Изящное, округлое тулово с отогнутым венчиком по краю горловины поднято на ножках, очертаниям которых вторят своеобразно решенные ручки и шишечка-"хваток" на крышке, заканчивающий эту композицию.

Н. В. Квитницкая. Сервиз. 1965

Бархатистый и глубокий синий тон росписи на тулове гармонирует с залитыми кобальтом ручками, а тонкой линии рисунка, штриховому заполнению листьев соответствует узорная полоса с линейным заполнением на крышке и отогнутом венчике. Роспись, в которой Дунашова достигает редкой красоты тональных переходов, подчеркивает округлость и изящество формы сахарницы. Это первая, но не единственная вещь, целиком сделанная мастером. Вслед за сахарницей она выполнила туалетную коробку, прибор для завтрака, чайник, в которых проявилась ее способность создавать новые формы изделий.

По-другому использует приемы подглазурной техники в росписи своих изделий художница Н. Б. Квитницкая (р. 1922). В ее композициях не встретится яркой звучности цвета, они выполнены в нежных переливах голубого тона, и лишь в отводке по краю, окраске ручки, носика, крышки появляется темно-синий акцент.

Т. С. Дунашова. Сахарница. 1972

Чайный сервиз, созданный Н. Б. Квитницкой в 1965 году, состоит из чайника, сахарницы, сливочника и чашек с блюдцами. Легкий круговой мазок, волнистая, чуть темнее линия по его краю, темно-синяя точка в середине - вот те элементы, из которых образуются прозрачно-голубые цветы, составляющие декоративный мотив росписи. И если на чашках условные изображения цветов ритмично чередуются с синими точками бутонов на стебле, то и на блюдце - ряд таких же бутонов, что связывает чашку с блюдцем в единое целое.

На одной из ваз художница, следуя традиции старой Гжели, помещает тематическую роспись. При всей условности изображение дома на вазе имеет сходство с тем небольшим домом в деревне Турыгино, где находятся мастерские художников. В композиции преобладают прозрачно-голубые тона. Легкие круглящиеся мазки сочетаются со штриховым рисунком.

Не только росписи на старых гжельских майоликовых и фаянсовых изделиях, но и узоры на изразцах помогают Н. Б. Квитницкой создавать новые декоративные композиции. Так, на тулове высокого кувшина идущие одно за другим изображения цветка в линейном обрамлении напоминают заключенный в рамку цветок на печных изразцах XIX века. Узор покрывает всю поверхность сосуда. В целом он напоминает быстрый рисунок, словно нанесенный мягким карандашом.

Н. Б. Квитницкая. Ваза. 1964

Н. Б. Квитницкая. Бабушка и внучек. 1966

Одновременно художница работает над созданием скульптуры малых форм, проявляя себя как скульптор, умеющий использовать средства декоративного искусства. Н. Б. Квитницкая обращается к бытовой тематике. Таковы сюжеты "Бабушка и внучек", "Матрена", "Птичница". Простая, без лишней детализации, строгая по цвету, ограниченному белым и синим, скульптура наделена подлинно декоративным характером. Округлые формы, одинаково обозначенные лица делают изделия похожими друг на друга в общих чертах. Но легкий наклон фигуры, поворот головы, руки, раскинутые в стороны - все это вносит оттенок пластического разнообразия. Опираясь на лучшие традиции Гжели, Н. Б. Квитницкая создала целый ряд изделий, в форме и росписи которых старые мотивы получили новое звучание.

Л. П. Азарова. Квасник. 1959. Кувшин. 1963

Иной характер присущ работам заслуженной художницы РСФСР Л. П. Азаровой (р. 1919). Продолжая и развивая традиционное искусство гжельской майолики и фаянса, она создает фигурные квасники и кумганы, штофы и посуду простых форм, украшая изделия лепными деталями, сочной кобальтовой росписью. Ее вещи выделяются округлыми, довольно крупными объемами, а роспись - насыщенностью, звучностью цвета. Человек эмоциональный и порывистый, она всегда охвачена новыми замыслами. Иногда художница делает несколько одинаковых предметов, отличающихся друг от друга только размерами. Так, рядом с большим кувшином появляется кувшин маленький, повторяющий форму и роспись первого. Л. П. Азарова помещает узор в центре выпуклого объема, оставляя свободной остальную часть изделия, что способствует усилению цветового звучания изображения. Роспись, выполненная сочным мазком, подчеркивает объем сосуда.

В росписи кольцевого тулова "Квасника с петухами" ощущается живое движение кисти. Легкие мазки, круглясь, образуют цветы, напоминающие "агашку" - роспись старой Гжели, простую и быструю. На плечиках квасника декоративные фигурки петухов, готовых броситься друг на друга. Внутренняя стенка, ограничивающая круглое отверстие, носик, ручка, крышка, ножки изделия залиты кобальтом, интенсивный тон которого перекликается с окраской скульптурных украшений и цветом основного узора.

Л. П. Азарова. Чайник. 1969

У каждого художника есть своя излюбленная форма изделий и тема росписи, в которых наиболее полно раскрывается его дарование. Для Азаровой это, пожалуй, чайники. Используя старинные формы фляги и штофа, она создает своеобразные, очень декоративные вещи, которые продолжают сохранять бытовое назначение. Художница украшает чайники лепными деталями. Крышки прорастают бутонами и цветами, на боковых стенках помещается сюжетная роспись, а иногда и надписи: "Где чай, там и под елью рай", "Самовар кипит, уходить не велит". В Гжели особенно любили пить чай, превращая чаепитие в церемонию, повторяющуюся два-три раза в день. На столе стоял кипящий самовар, а вокруг него пестрый хоровод посуды. Теперь же самым значительным в традиционном застолье стал чайник. Поэтому понятно стремление художницы украсить его щедро и весело.

Тема чаепития, вошедшая в творчество Л. П. Азаровой в 1960-х годах, сделалась одной из основных тем в ее росписи и декоративной пластике. В скульптурной группе "Чаепитие" просты и вместе с тем торжественны позы изображенных фигур. Обобщенная трактовка их усиливает декоративную выразительность композиции. В своем творчестве художница не раз обращалась к этой группе, то помещая ее в круглом отверстии квасника, то включая в убранство подсвечника, вазы, то создавая на ее основе роспись сосуда. Л. П. Азарова часто идет от пластики к сюжетной росписи. Так, скульптурные композиции "Ставит самовар", "Вяжет чулок", "Читает газету" позже нашли отражение в росписи изделий.

Л. П. Азарова. Чаепитие. 1967

Скульптурные работы Л. П. Азаровой отличаются своеобразием облика, только ей присущей мерой художественного обобщения. Ею выполнены многофигурные композиции: "Няня с коляской", "Доярка с коровой", "Мать", "Женщина на возу", украшенные подглазурной синей росписью. Во всем творчестве художницы ощущается, органическая связь с традициями.

Сравнительно недавно в музейной коллекции гжельского фарфора появились работы художницы 3. В. Окуловой (р. 1938).

Ее вазы словно наследуют крепкие формы гончарных изделий прошлого, а скульптурные сосуды продолжают еще одну народную традицию - придавать предметам, имеющим практическое назначение, облик птиц, животных.

3. В. Окулова. Ваза. Чайник. Масленка. 1972

В росписи своих изделий 3. В. Окулова чаще всего обращается к мотиву "большого цветка". Цветы, которыми художница украшает сосуды, всегда сочны и ярки. Она любит писать тугие бутоны роз, лотос и лилию, ромашки и незабудки, превращая их в сказочно-декоративные узоры, лишь отдаленно напоминающие реальные растения. Но охотнее всего художница изображает пышный мак. Он украшает округлую вазу, предметы чайного сервиза, который называется "Большой мак".

Порой и формы изделий Окуловой напоминают цветы. Таков массивный чайник с туловом, которое как бы вырастает из подставки, отделенной от него рельефной полосой. Ажурный венчик по краю горловины, крышка с хватком в виде цветка, само тулово, округлое и вытянутое вверх, делают чайник похожим на бутон. Впечатление довершает роспись. Плотными, густыми мазками написаны бутоны роз. Формы цветов как бы следуют форме изделия. Декоративный узор подчеркивает выпуклую поверхность сосуда, его объем, отдельные детали.

В такой же широкой манере выполнена роспись скульптурного сосуда "Жар-птица". Не сразу поймешь, что это масленка, хотя в целом форма вещи и отвечает ее бытовому назначению. Сняв крышку-птицу, мы видим круглое углубление в центре фигурной подставки, широкой и устойчивой. Приподнятые края подставки служат ручками, за которые удобно брать масленку. Узор покрывает почти всю поверхность сосуда. Он то яркий и насыщенный, то легкий и прозрачный, подобен пышному оперению сказочной птицы.

Работы 3. В. Окуловой покоряют новизной художественных образов, остротой пластического языка, смелостью, яркостью росписи. Они дают нам представление о том, как вырабатывается творческий почерк молодой художницы, как крепнет ее мастерство, сформировавшееся в рамках традиционного искусства.

Творчество мастеров современной Гжели - это новая страница в истории промысла. В утверждении и развитии своеобразного стиля народного фарфора гжельцы опирались на давние традиции гончарного искусства, на опыт предшествующих поколений. Ведущие художники и мастера Гжели в 1978 году были удостоены Государственной премии РСФСР имени И. Е. Репина. Это - Н. И. Бессарабова, творчество которой стало началом современного гжельского стиля; Т. С. Дунашова, освоившая приемы традиционной гжельской росписи и создавшая новые ее виды; Л. П. Азарова, возродившая еще один вид традиционного искусства - фарфоровую скульптуру; 3. В. Окулова, работающая над скульптурными сосудами и декоративными вазами. Пройдет время, и то, что создано сегодня, в свою очередь, станет творческим наследием для будущих поколений гжельских мастеров.